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台海网12月2日讯 据福建日报报道 帷幔拉开之前，长松萝俏皮地从帷幔里向外张望；上方，一只欢快的红蜻蜓活泼了画面。这是画家林任菁在西藏写生时创作的新画《轻影》。
林任菁喜欢深入山林，呼吸植物气息。草木无言，静静生长，她却总能从中获得启示，并融入工笔画中。“画画，到了一定阶段就是画感觉，画大自然对自己的触动、大自然与自我感受的吻合，体现物质与自己气质的融合。”林任菁说，画画是人生体悟，更是生活美学。
与大自然的对话
1968年，林任菁出生在漳州一个书画家庭。父亲林俊龙和母亲李淑华都是省画院著名的中国画画师。父亲擅长写意，母亲精于工笔。家学渊源深厚，生性聪慧、细腻的她成为中国工笔画界的佼佼者。她的作品入选国家文化部、中国美协等单位举办的“（1901—2000）百年中国画展”，中国文联、中国美协举办的“97’中国画坛百杰展”，作品被中国美术馆、国务院紫光阁等机构收藏。现在，她是一级美术师，中国美术家协会会员，省画院专业画家、理论研究部主任，省宣传文化系统首批“四个一批”人才。
漫长的学艺生涯中，她师从多位前辈，深信植物之身皆附灵性。安静的芦苇、淡雅的芙蓉，还有狗尾巴草、芒草以及许多不知名的小花，都成为她的创作源泉。
年轻时，她总是努力把握不同植物的结构，并收集植物的翻转变化，心思全在于线的中、侧、捻、转、拖的运笔变化上。随着学习的深入，她悟到了写生的意义。她说，着意于形或线的变化都太片面，错把手段当成了目的。写生，其实是写其生机、写其生气，它记录了面对自然的感动和难以言状的感觉，牵动着画者的思绪和情感。
用艺术传递生命状态
对林任菁来说，艺术本身就是一种生命的形式。它除了审美外，更重要的功能是传递生命状态。创作时，作者必须回到内心的精神意识状态中，用它来支配艺术表达，才能使作者与作品达到最高融合。
“生活在南方，江、河、湖、海环绕，对于水已习以为常。然而，真正觉知到水，是缘自水中的映像。它像极了看似繁花似锦却变幻莫测的无常生活。”林任菁说，那时，她觉得水中的自己才是真实的。于是，她创作了《水镜园》系列。
在创作中，她逐渐领悟，“无为”才是“道”的核心。在老子“上善若水”的感慨中，她首先赞美水的“无为”。
“记忆最深刻的是贵阳的花溪，雾气在一丛丛雪白、飘逸的芦花间弥漫、飘荡，似有若无……”她喜欢那种水气与雾气，不知不觉间也把内心淡淡的忧郁带入画中。“那时，缘于内心的变化，作品也相应地发生变化。”
艺术源于生活，不是简单地从生活中撷取自然的形态，重要的是画家自身从生活中感悟到什么，想说什么，然后是如何表达。她说：“心情的微妙变化，在笔锋与纸接触之间总是袒露无遗。”
收获山水间的淳朴人情
林任菁喜欢外出写生，与画友结伴行走于川藏湘贵等地。2015年10月，她第三次入藏，到西藏林芝地区米林县写生。
每天，天边刚泛白，她就带上小木凳，背上画板去寻找野玫瑰、青稞草、马兰花等。为了找到相契相通的植物，她常常要在山中走上几个小时。下雨了，她就撑着伞在雨中写生。雨点落在熟宣上，水笔划过时遇到雨点，绽放出另一种感觉，似乎比干巴巴的线条更丰富。不过，游历写生的日子也是艰苦枯燥的。早晨吃碗老乡的疙瘩面，带上大饼、鸡蛋和茶，就算是午餐，直到天黑回到住所，她才能吃上一顿热气腾腾的正餐。
“西藏是个奇妙的地方，以色彩为例，其搭配既对比强烈又极为和谐，单个色相纯度与明度饱和而稳重。如羊奶子，其叶子原为绿色，随着天气转冷逐渐变红；其花为柠檬黄，果实则呈紫色系列，由初始的红紫逐渐向紫红、紫、紫蓝过渡。红与绿、黄与紫，两对对比色相同时共存在一株灌木中，亮丽而又不俗气。”在她看来，西藏的神奇还在于它的丰富性，无论是雪山、冰川、一毛不长的秃山还是原始森林、沼泽地，似乎你想看的各种地貌和形态在这里都能得到满足。“任何一位画家或设计师，都无法如此精妙地掌控这种色彩和形态关系。”
“淳朴人情”是林任菁在西藏的另一个收获。当时，她住在珞巴部落。珞巴族妇女取出手工编织的珞巴族织布送给她，帮她穿上民族服装，戴上贝壳饰品。而她则手把手教珞巴族妇女如何使用手机和照相机。回福建后，她做的第一件事就是把拍摄的照片冲洗出来，并按村民提供的地址一一邮寄给她们。
“她们朴实、豪爽，脸上写满快乐。在这里生活，可以撇开身份，让自己回到最原始、纯粹的状态。”林任菁说，2015年的西藏之行，自己收获了45张钢笔线描写生，5万多字的日记和一些摄影资料。如今，拿出写生画作，每一幅画都有故事，看见它们，就会想起当时作画的情景，这些都是她宝贵的财富。
经过多年的创作，她的作品越发开阔。在她的画室画板上，“融”系列作品正在创作中。她试图突破传统工笔花鸟画样式，意图把工笔与写意、花鸟和人文关怀相结合，或者融入一些哲学思考。“想象着，那一支妙曼的笔在画作上飞舞。草木有情，人亦多情。”
